Este mes no disponemos de espacio para introducciones, ¡eso que os ahorráis! 

1 de Mayo. Con Power Pack # 1 USA llega el primer supergrupo infantil del Universo Marvel. A destacar que el equipo creativo del comic lo formaban dos mujeres, Louise Simonson y June Brigman. Un avance nada desdeñable en aquella época. La serie nunca fue un éxito de ventas, todo hay que decirlo, pero sí cosechó excelentes críticas. Este reconocimiento se vería refrendado con el Premio Eagle al mejor nuevo título del año.

Del primer número se realizaron dos ilustraciones de cubierta, escogiéndose finalmente la que se muestra a color en la imagen de la izquierda. Estaremos de acuerdo en que la versión publicada era muchísimo mejor que la otra, ¿verdad?

Al recordar la génesis del proyecto, Louise Simonson admite que lo que más le costó fue encontrar poderes que definieran a los distintos miembros del grupo. En cambio, sus personalidades individuales surgieron fácilmente. El diseño de la serie también le debe mucho a June Brigman, de quien se valoraba sobretodo su capacidad para captar la expresividad natural de los niños. Otras contribuciones suyas se tradujeron en detalles como darle la apariencia de un caballito de mar a Whitey, el alienígena kymeliano que transfiere sus poderes a los Power Pack. ¡Eso por no mencionar que se inspiró en las facciones de la propia Louise y de su marido Walt para crear la imagen de los progenitores Margaret y Jim Power!

En realidad, no era esta la primera vez que la guionista salía retratada en un tebeo: su «estreno comiquero» se remonta a Abril de 1971, coincidiendo con el debut de La Cosa del Pantano en The House of Secrets # 92 USA. Berni Wrightson la tomó como modelo para inmortalizarla junto al tenebroso monstruo de la ciénaga de DC Comics… ¡Ella es la joven que puede distinguirse en primer plano de la ilustración de portada!

De soltera, se llamaba Mary Louise Alexander. Renunció a su apellido cuando contrajo nupcias con el prestigioso artista Jeff Jones. La pareja tuvo una hija a la que bautizaron con el nombre de Julie… ¡Ya os figuraréis que no es casualidad que una integrante de los Power Pack se llame así! Después de divorciarse, empezó a salir con Walter Simonson y se casó con él en 1980. Tardó cuatro años en adoptar profesionalmente el apellido de su segundo marido, justo en el momento en que dejó de ser editora para centrarse en su carrera como guionista freelance. De hecho, cuando la revista Marvel Age promocionó Power Pack, ella todavía utilizaba el apellido Jones. Luego se animó a modificarlo, y en los créditos del primer número figuraba ya como Simonson. ¡Aunque para sus colegas no existía confusión alguna, puesto que todos la conocían con el apodo de «Weezie«! Como apunte al margen, añadiremos que su ex Jeff Jones se sometió a una terapia hormonal para cambiar de sexo en 1998, pasando a denominarse Jeffrey Catherine. Pero eso es una historia para otra ocasión…

Hablemos ahora de The Amazing Spider-Man # 255 USA, ya con Ron Frenz asentado como dibujante fijo de la cabecera. Si algo no escasea en la colorida galería de oponentes arácnidos son los villanos con nombres de animales. Incluso podría argumentarse que existe una tradición muy consolidada a este respecto. Ahí están para demostrarlo clásicos como el Buitre, el Camaleón, el Lagarto, el Escorpión, Rino, Chacal, Tarántula… ¡y el Doctor Octopus, naturalmente! Teniendo esto en cuenta, no es de extrañar que Tom DeFalco y Frenz quisieran sumarse al carrusel zoológico con sus propias aportaciones. Todo comenzó de manera fortuita, cuando DeFalco adquirió un catálogo de tarjetas de animales exóticos que había visto anunciado en un programa nocturno de teletienda. A partir de ahí, surgiría la idea para desarrollar tres nuevos personajes que pronto tendrían ocasión de presentarse: Zorro Negro, Puma y Marta Plateada. El primero era el menos interesante de los tres, un anciano ladrón de guante blanco que debutaba casi de tapadillo en este número de mayo de Amazing Spider-Man, viéndose presionado por el Fantasma Rojo para robar unas joyas.

Sorprende que ni tan siquiera apareciera mencionado en la portada… ¡Para seguir la pista a este escurridizo truhán, había que «cazarlo» en las páginas interiores del cómic! Más extraño aún es que jamás llegáramos a enteramos de cuál era su verdadera identidad, ni en esta ni en ninguna de sus intervenciones posteriores.

En un universo muy distinto, The Further Adventures of Indiana Jones # 20 USA proseguía su travesía marveliana con un rumbo quizás un tanto errático. Eran notorias las desavenencias que el guionista David Michelinie mantenía con Herb Trimpe y Eliot R. Brown, dibujante y editor de la cabecera, respectivamente. Michelinie acusaba al primero de no respetar sus indicaciones, y al segundo de no apoyarle. ¡Las típicas broncas editoriales de toda la vida! Explicaba el amigo David que su editor estaba muy condicionado a la hora de tomar decisiones porque veneraba a Trimpe como uno de los grandes clásicos de la Era Marvel. Por eso, al no sentirse respaldado, él entendió que lo más conveniente era marcharse. Aquí ya sólo figuraba como responsable del argumento, igual que en los dos episodios siguientes, quedando en manos de Jim Owsley redactar los diálogos.

Con todo, Michelinie aún aceptaría escribir la adaptación al comic de la película Indiana Jones y el Templo Maldito. Y al cabo de medio año, ya con Ralph Macchio como editor, guionizó los números 26 y 27 de la colección junto a Ron Fortier, en lo que supondría su adiós definitivo al aventurero del látigo.

De The Savage Sword of Conan # 102 USA ya tuvimos ocasión de referirnos en su momento a la espectacular portada de Bill Sienkiewicz, pero lo que toca comentar ahora es que este número iniciaba una nueva etapa para la revista, con la incorporación de Gary Kwapisz como dibujante sustituyendo al insustituible John Buscema. Para que la transición se notara lo menos posible, se recurrió a las expertas tintas de Ernie Chan, ¡toda una garantía! En un principio, Kwapisz se alternó con ilustres veteranos como Pablo Marcos, Val Mayerik o Rudy Nebres, ya que las historias tenían una extensión aproximada de 50 páginas y al artista debutante le costó un tiempo ajustar su ritmo de producción a las necesidades de la revista.

Si bien los relatos centrales continuaban llevando la firma del discutido Michael Fleisher, los lectores que añoraban a Roy Thomas se llevaron una momentánea alegría al constatar que este ejemplar incluía como complemento la primera parte de un serial de Bran Mak Morn escrito por él que había permanecido inédito hasta la fecha. El serial constaba de cuatro capítulos ilustrados por Gene Day, presentando la adaptación del relato original de Robert E. Howard «Hombres de las sombras». La publicación de estos comics venía a ser un acto de justicia con el malogrado Gene Day, fallecido prematuramente a consecuencia de una crisis coronaria en Septiembre de 1982.

Otra novedad hibórea traía de vuelta a Kull el Conquistador, con Alan Zelenetz y John Buscema formando tándem creativo. El regreso del monarca de Valusia guardaba relación directa con los compromisos legales que Marvel había contraído con la propietaria de los derechos del personaje. Habría que precisar que la nueva cabecera bimestral retomaba la numeración de la serie limitada que había concluido en 1983. Así que, en lugar de un «número uno» al uso, lo que apareció a la venta fue Kull The Conqueror # 5 USA. ¡La portada era obra de Michael Golden, por cierto!

 

8 de Mayo. Por su parte, Conan the Barbarian # 161 USA nos brindaría la oportunidad de ver al mayor de los Buscema asumiendo la realización de lápices y tintas del episodio, algo no muy habitual en él porque siempre argumentaba que entintar sus trabajos no le compensaba económicamente.

También a la venta esta semana, The Avengers # 246 USA tenía a los Eternos como estrellas invitadas, destacando la participación de Sersi, quien un lustro después terminaría engrosando las filas de los Héroes más poderosos de la Tierra. A fin de poder cumplir con las fechas de entrega, el editor Mark Gruenwald se vio forzado a recurrir a varios entintadores complementarios para que echaran un cable al habitual Joe Sinnott. Pese a que sus nombres no figuraran en los títulos de crédito, hoy sabemos que aquella improvisada «cuadrilla» la formaban Jack Abel (acabados página 17), John Byrne (acabados página 20), Sam de la Rosa (acabados página 21) y Mike Gustovich (acabados páginas 18 y 22). Las restantes planchas son todas de Sinnott. Si hemos podido enterarnos ha sido gracias a que Sam de la Rosa facilitó la información en el año 2011, corrigiendo los datos erróneos publicados en The Official Marvel Index to the Avengers. Otros episodios posteriores de la colección vengadora precisaron asimismo de entintadores de apoyo, pero este quizá llama un poco más la atención por la página de Byrne… ¡aunque tampoco era nada especial, comprobadlo por vosotros mismos!

Miguel G. Saavedra

 

 

 

En la primavera marveliana de 1984, los sobresaltos se sucedían a ritmo vertiginoso. Justo una semana después de la muerte del Guardián, los Nuevos Mutantes tomaban el relevo en el ojo del huracán creativo, experimentando una suerte de «segunda génesis«… ¡A partir de ese momento, los Bebés-X ya nunca más volverían a serlo!

17 de Abril. Iron Man # 184 USA traslada la acción a Silicon Valley, continuando con el lento proceso de rehabilitación de Tony Stark mientras Rhodey se convierte en el objetivo de Zodiaco. Denny O’Neil no mantenia una colaboración tan estrecha con el dibujante Luke McDonnell en Iron Man como la que disfrutaba con David Mazzuchelli en Daredevil. Sus contactos eran preferentemente con Mark Gruenwald, el editor de la cabecera americana del vengador dorado. O’Neil confiaba plenamente en los vastos conocimientos marvelianos de Gru, lo cual explica que casi todos los villanos que pululaban por la colección surgieran de las propuestas formuladas por su camarada profesional. ¡Eso sí, Denny se vanagloriaba de que Obadiah Stane había sido una creación original suya!

Por su parte, Marvel Team-Up # 143 USA reúne a Spidey con Zorro Estelar para acudir al rescate de la Capitana Marvel. El guión llevaba la firma de David Michelinie y la parcela gráfica la cubría el habitual Greg Laroque… excepto la splash page inicial de la Capitana Marvel, que ilustró Bill Sienkiewicz pese a no figurar en los créditos. ¡Toda una rareza! El otro título arácnido de la semana, Peter Parker the Spectacular Spider-Man #92 USA, serviría a Al Milgrom para hacer debutar a La Respuesta, un villano que ya se había dejado ver entre sombras en el número anterior. Sus poderes «respondían» a lo que pudiera necesitar en un determinado momento del combate, de ahí su alias.

Finalmente, Star Wars # 85 USA saca a relucir la faceta más entrañable de Chewacca, desvelando que incluso los wookies más curtidos pueden deprimirse cuando añoran a su familia. ¡Ahora se entiende a qué venían tantos gruñidos suyos en los films! Han Solo y Lando Carlissian también participaban en esta liviana aventura escrita por Mary Jo Duffy, con dibujos a cargo de Bob McLeod y Tom Palmer.

24 de Abril. The New Mutants # 18 USA se revoluciona con la llegada de Bill Sienkiewicz. La editora Ann Nocenti buscaba algo diferente, ¡y vaya que si lo encontró! Aquí lo más fácil sería decir que el comic fue recibido con oleadas indescriptibles de entusiasmo por la parroquia marveliana de la época, pero lo cierto es que hubo división de opiniones. El propio Sienkiewicz reconocería que los lectores que se ganaron por un lado se perdieron por el otro. En alguna ocasión, Jim Shooter llegó a convocarle en su despacho para leerle personalmente las cartas negativas que se recibían en el Bullpen, con la vana esperanza de que el artista tomara nota y se controlara un poco.

El Warlock tecno orgánico tampoco escapó a la polémica: mientras algunos alucinaban con su enloquecido diseño, otros no regatearon críticas al «usurpador» que se había atrevido a apropiarse de un nombre que en justicia le pertenecía a cierto héroe cósmico llamado Adam (¡por más que en aquella época todavía siguiera kaput!). El que esto suscribe siempre ha visto al personaje como la versión marveliana de los cartoons de Tex Avery, pero Sienki indica que también se dejó influir por el estilo de Sergio Aragonés a la hora de darle forma.

En un principio, Sienkiewicz había rechazado el ofrecimiento que le habían transmitido desde la oficina editorial mutante para dibujar The Uncanny X-Men. Sin embargo, Chris Claremont venció su resistencia sugiriéndole que se encargara únicamente de un arco argumental de The New Mutants, a modo de prueba. El enfoque de la saga del Oso Místico parecía perfecto para que experimentara a sus anchas, cosa que no hubiera podido hacer en la serie principal de la Patrulla-X.

Cuando a continuación le propusieron mantenerse como artista fijo de la colección, Sienkiewicz sólo tardó treinta segundos en responder afirmativamente, porque se dio cuenta de que echaba a faltar la dinámica de los comic books mensuales. Claremont quedó tan impresionado con su trabajo que en los primeros episodios se esforzó por no recargar de textos los guiones, tratando de interferir lo menos posible con las ilustraciones.

Según confirmaría Sienkiewicz, Chris Claremont tenía previsto deshacerse permanentemente de Danielle Moonstar, pero él logró disuadirle tras dejarle claro que disfrutaba mucho dibujando a la joven cheyene. A destacar asimismo que este cómic registra la primera aparición de Rachel Summers en el Universo Marvel del presente.

Vamos a retomar ahora el comentario que en su momento dejamos pendiente a propósito de Daredevil # 209 USA, episodio escrito por Arthur Byron Cover a partir de una premisa argumental de Harlan Ellison. En esta secuela del número anterior, el protagonismo recae en un ejército de niñas robóticas que persiguen incansablemente al Hombre sin Miedo. A lo largo de la historia, DD tendrá que ir «liquidando» a estas criaturas clónicas de apariencia angelical, sirviéndose de métodos no demasiado ortodoxos. Por ejemplo, a una la empuja para que caiga por el hueco de un ascensor y a otra está a punto de arrojarla por una alcantarilla. ¡En ese punto de humor negro radica la gracia del relato! David Mazzuchelli ya se quedaría como dibujante regular, y aquí ilustró su primera portada del cuernecitos.

Donde no hacía acto de presencia Daredevil era en las Guerras Secretas… mayormente porque la juguetera Mattel no mostró interés alguno en sacar una figura articulada suya para la tanda inicial de juguetes de la serie. La cuarta entrega de la macrosaga introducía a la sanadora alienígena Zsaji, por cuyas atenciones extraprofesionales pronto se desvivirían tanto la Antorcha Humana como Coloso.

Convendría recalcar que la idea inicial que Shooter barajaba era que Zsaji sedujera al recién casado Ojo de Halcón. Así quedaba explicitado en un artículo que incluyó la revista Marvel Age para promocionar las Guerras Secretas. Lo que se indicaba en el texto es que una nueva tentación en el Mundo de Batalla «amenazaría la seguridad y el amor» del arquero. Sin embargo, a la postre dicho planteamiento acabaría siendo descartado: que Clint Barton le pusiera los cuernos a la pobre Bobbi Morse de aquella manera no sólo atentaba contra las normas morales imperantes en los superhéroes de aquella época, sino que además podría haber hecho fruncir el ceño al Comics Code. ¡Bastante jaleo había habido ya a cuenta de Chaqueta Amarilla y la Avispa! La solución que se sacó Shooter de la manga consistió en sustituir a Ojo de Halcón por Coloso. Ello le permitía matar dos pájaros de un tiro y finiquitar la potencialmente conflictiva relación que Peter Rasputin estaba manteniendo con Kitty Pryde. No olvidemos que ella era entonces una adolescente de catorce años, apenas una niña. Y su diferencia de edad con el adulto Coloso quedaba aún más acentuada debido a la corpulencia del gigantón ruso. Haciendo valer la autoridad inherente a su cargo de director editorial, la opción más prudente era cortar por lo sano aquel romance… con una ayudita de la vaporosa Zsaji.

Para dar un respiro a los desbordados Mike Zeck y John Beatty, este número y el siguiente se asignaron a Bob Layton. Incluso se comentó que este podría llegar a dibujar algún episodio más en caso de ser necesario, pero no hizo falta.

Cerramos capítulo con Dazzler # 33 USA, un insólito tributo discotequero al Thriller de Michael Jackson. En realidad, el cantante que aparece en el tebeo se llama Ted Lingard… y la canción se rebautiza como Chiller. ¡Pero la portada de Sienkiewicz difícilmente deja lugar a las dudas!

El team-up del Rey del Pop y Alison Blaire quedaría inmortalizado en las páginas interiores del cómic, con dibujos de M.D. Bright y Vince Colletta. Obsérvese el guiño al cineasta John Landis, autor del célebre videoclip de Thriller: «¡Eh, tal vez el tipo que dirigió Un hombre lobo americano en Londres se encuentre disponible!»

Aparte de escribir este número, Mike Carlin haría doblete está semana sustituyendo a John Byrne como guionista de The Thing # 14 USA.

27 de Abril. Aventura y fantasía en un contexto histórico constituían los principales ingredientes de Amazing High Adventure # 1 USA, una antología de relatos autonconclusivos que venía a llenar el hueco dejado por la desaparición de la revista Bizarre Adventures. ¡Como podéis comprobar, la portada también era de Sienkiewicz, que parecía multiplicarse por doquier en las publicaciones marvelianas de aquel mes! Lo más interesante de esta primera entrega es el episodio de Steve Englehart y John Severin centrado en la figura de Oliver Cronwell. También colaboraban Ann Nocenti, Tony Salmons, Mike Carlin, Gerry Talaoc, Louise Simonson y Steve Leialoha, oficiando Carl Potts como editor. A pesar de que la calidad media del material incluido no era precisamente para tirar cohetes, este one-shot de 48 páginas a color tuvo continuidad en un segundo especial comercializado en 1985, tras el que seguirían otros tres números más repartidos a lo largo del verano de 1986. ¡Una periodicidad casi tan ecléctica como los contenidos del comic!

Miguel G. Saavedra

Antes de pasar a otras cuestiones, me vais a permitir una breve incursión en el mundo de las licencias para señalar que la empresa Comic Images estrenó su línea de productos Marvel en 1984, comercializando camisetas estampadas de Thor, Lobezno y Alpha Flight. Ya que estamos en confianza, os diré que la calidad de aquella primera remesa dejaba bastante que desear, lo cual provocó quejas. Más adelante, estas deficiencias se irían subsanando y Comic Images amplió su catálogo para incluir pegatinas y trading cards de personajes marvelianos.

13 de Abril. Además del último número de The Micronauts, esta semana aparece a la venta Coyote # 6 USA. Epic había contratado inicialmente seis números de la colección creada por Steve Englehart, decidiendo prorrogarlos a pesar de que las ventas no eran demasiado boyantes. Lo más curioso del contenido de este ejemplar es la presentación del personaje X-Caliber, un mercenario asesino que perecería en el número siguiente. Cuenta el amigo Steve que Marvel llegó a hacerle una oferta para adquirir los derechos de propiedad del nombre, ya que él lo tenía como marca registrada. Al no fructificar las negociaciones, La Casa de las Ideas se decantó finalmente por lanzar la serie mutante que todos conocemos como Excalibur. ¡En otras circunstancias, el cómic podría haberse denominado X-Caliber!

Pero la historia de X-Caliber no terminó ahí. Ya a finales de 1991, Marvel y la editorial Valiant se enzarzaron en una agria disputa a cuenta de la nueva serie X-O Manowar. Marvel amenazó entonces con acciones legales, por entender que el título podía prestarse a confusión con las cabeceras que integraban la franquicia mutante. Se da la circunstancia de al frente de aquella Valiant primigenia se hallaba Jim Shooter. Este había fichado a Steve Englehart para que colaboraba en los guiones de los primeros números de X-O Manowar. Lejos de dejarse amilanar por la ofensiva legal emprendida por Marvel, Valiant contraatacó resucitando al X-Caliber de Englehart en las páginas de X-O Manowar, tras llegar a un acuerdo con él para que cediera temporalmente los derechos. Básicamente, lo que se estaba librando era una guerra corporativa soterrada: ¿Que no os gusta nuestro café X? ¡Pues ahí van dos tazas! A la postre, Marvel no logró que Valiant retirara el nombre de X-O Manowar, pero el personaje de X-Caliber sí desaparecería del mapa. Tanto es así que, para las reediciones en tomo de los episodios en los que intervenía, Valiant procedió a rebautizarlo con el nombre de Sniper (Francotirador). Este peculiar culebrón tendría una inesperada vuelta de tuerca tres años después, cuando la macrosaga La Era del Apocalipsis dio origen a una realidad alterada donde la cabecera Excalibur fue sustituida por otra titulada X-Calibre… ¡sólo durante cuatro episodios!

Otra novedad que nos interesa resaltar es el volumen The Power of Iron Man, englobando la legendaria línea argumental «El demonio en la botella» que en su día desarrollaran David Michelinie, Bob Layton y John Romita jr. Este sería el tercer y último libro de aquella extraña colección marveliana de recopilatorios que no contó con denominación propia, aunque sí iba numerada en la parte superior de las cubiertas. Al igual que sucediera con «La Saga de Fénix Oscura», la portada corrió a cargo de Bill Sienkiewicz. Y se mantuvo el mismo diseño «genérico» de cubierta: los nombres de los autores no figuraban por ninguna parte, salvo el de Stan Lee como autor del texto de presentación.

Desconozco las razones por las cuales Marvel interrumpió la colección. Mi impresión personal es que la editorial consideraba más productivo expandir la línea de novelas gráficas con material inédito antes que destinar recursos a los tradepaperbacks. Así, el parón de los recopilatorios se prolongaría hasta el otoño de 1986, momento en el que se reactivó su publicación… ¿Adivináis con qué título? Venga, os dejo que lo meditéis con calma, y al final del artículo desvelaremos el misterio.

17 de Abril. Ningún otro cómic del mes despertó tanta expectación como Alpha Flight # 12 USA. Por más que ya se hubiera publicitado que un miembro del grupo perecería en el curso de este número especial, pocos podían sospechar que la víctima iba a ser su líder. El que sí estaba al tanto era Peter David, quien por aquel entonces trabajaba en el departamento de ventas. Ya podéis imaginaros la escena que montó John Byrne al descubrir que David había estando filtrando la noticia a un grupo de libreros especializados. Este último explica que se limitó a distribuir unas fotocopias que le había entregado previamente Denny O’Neil, el editor de la cabecera USA, por lo cual no acepta ninguna responsabilidad en el asunto. Además, matiza que las imágenes que obraban en su poder no mostraban la muerte del Guardián, sino que se correspondían a una secuencia onírica extraída del número siguiente. En dicha escena, Heather MacNeil Hudson huía despavorida después de que el cadáver en llamas de su marido se alzara de su tumba.

David está convencido de los libreros no se habían percatado de nada hasta que Byrne irrumpió en la sala pegando gritos, algo que el artista anglocanadiense desmiente enérgicamente. Según él, O’Neil negó haber dado su permiso para divulgar las páginas. Los dos autores ni tan siquiera se ponen de acuerdo a la hora de establecer dónde tuvo lugar el percance: David asegura que se trataba de una reunión de libreros, mientras que Byrne tiene clarísimo que sucedió en una comic convention. En fin, podríamos entretenernos un rato contrastando ambas versiones, pero no tendría mucho sentido hacerlo porque este es uno de esos casos donde resulta casi imposible discernir cuál es la verdadera. Yo tengo una frase que suelo repetir con cierta frecuencia, y es que en este mundo a nadie le gusta ser el villano de su propia historia. Así es la naturaleza humana, ¡qué le vamos a hacer!

Ahora que el tiempo ha elevado a la categoría de clásico el trabajo de Byrne en Alpha Flight, no está de más recordar que este episodio en particular fue recibido con alguna que otra crítica no demasiado complaciente. Sin ir más lejos, el columnista del popular magazine Amazing Heroes concluía que era un error matar al Guardián tan pronto, cuando el personaje todavía no había tenido ocasión de desarrollarse y dejar una huella perdurable. Tampoco estaba conforme con la escena de la muerte, a su juicio resuelta con un anticlímax carente de épica superheroíca. Son argumentos sólidos que podrían incluso compartirse pero, a mi modo de ver, en ningún sitio está escrito que un héroe deba encontrar su fin luchando contra su némesis. Byrne veía al Guardián como el miembro menos interesante de Alpha Flight, de ahí que no le temblara el pulso a la hora de eliminarlo. Creía que su muerte podría generar un conflicto que dotara de más profundidad a las historias. Obviamente, la manera en que estaba estructurado el argumento buscaba jugar al despiste con los lectores. Si recordáis el episodio, hay un momento donde parece que la víctima va a ser Ave Nevada. Y el gran shock llega cuando nadie se lo espera, una vez que ya ha concluido la batalla con Omega Flight. A partir de ahí, cada uno es muy libre de juzgar si los méritos del cómic están o no a la altura de su fama… ¿Qué opináis vosotros?

También con la firma de Byrne, Fantastic Four # 268 USA permitiría al autor acometer el desafío que se había planteado: realizar una historia del Doctor Muerte… ¡sin el Doctor Muerte! A raíz de la batalla con Terrax, todo lo que parecía haber quedado del monarca latveriano era su máscara metálica, y ahora esta cobraba vida súbitamente, ante la mirada atónita de la Antorcha Humana y Hulka. Otro detalle original del cómic lo descubrimos en su portada, un fotomontaje realizado por Eliot R. Brown tomando como base una máscara real de Victor von Muerte.

Por último, The New Defenders # 133 USA hace entrar en liza a la pareja de detectives Oliver Cutlass y su mujer Tai Fung, alias Tifón. Él era un investigador a la antigua usanza, y ella una damisela asiática capaz de defenderse en el combate cuerpo a cuerpo. El guionista Peter B. Gillis decía que la apariencia de estos personajes estaba inspirada en el músico Michael Nesmith (de la banda The Monkeys) y la novelista Agatha Christie. ¡Una combinación de lo más original, qué duda cabe!   Aunque el episodio lo dibujaba Alan Kupperberg, nosotros nos quedamos sobretodo con la portada de Kevin Nowlan, donde ya hacía gala de su estilo inconfundible.

Y hasta aquí hemos llegado por hoy. Pero esperad, que aún tenemos que resolver nuestro acertijo recopilatorio: ¿Con qué título reanudó Marvel sus ediciones de tradepaperbacks? Y la respuesta es… ¡The Official Handbook of the Marvel Universe! Entre 1986 y 1987 se publicaron un total de diez tomos con reediciones de la serie deluxe, a razón de dos ejemplares por volumen. En España, los Handbook también llegaron a venderse en algunas librerías especializadas de las grandes capitales, evidenciando el interés de los aficionados más irreductibles por hacerse con esta colosal enciclopedia marveliana de los ochenta. A destacar que el formato libro resultaba particularmente idóneo para consultar fichas específicas con mayor comodidad. ¡Apuesto a que alguno de los que estáis leyendo esto sigue conservando la colección en un rincón preferente de su tebeoteca!

Miguel G. Saavedra

En una Marvel sacudida por las Guerras Secretas, resulta paradójico que la campaña promocional más comentada de 1984 tuviera como protagonistas a Power Man y Puño de Hierro, dos personajes que no intervenían para nada en la macrosaga. La campaña constaba de dos anuncios interconectados donde se jugaba la baza del humor como principal reclamo publicitario, aunque intuyo que lo que verdaderamente la convirtió en un éxito fueron las ilustraciones de Bill Sienkiewicz.

Se da la circunstancia de que Denny O’Neil, el responsable editorial de la colección USA, ya había ensayado en 1981 un enfoque similar para promocionar un crossover entre los Héroes de Alquiler y Daredevil, encargándose en aquella ocasión a Denys Cowan los dibujos.

La segunda tanda de anuncios proyectaba la imagen de un Luke Cage agresivo y violento, contraponiéndola a la actitud civilizada mostrada por su compañero Danny Rand…

Si bien el planteamiento era inequívocamente humorístico, tal como hemos señalado, a algunos lectores de color aquello no les hizo maldita la gracia. Se esgrimió entonces que con este tipo de chanzas lo único que se lograba era perpetuar un esterotipo racial que ellos consideraban ofensivo. Ignoramos si fue ese el motivo por el cual el anuncio de Power Man acabó reproduciéndose en un número muy limitado de publicaciones marvelianas, mientras el de Puño de Hierro gozaba de una difusión mucho mayor.

Aun aceptando que dichas quejas pudieran tener su fundamento, me parecería totalmente injusto cargar las tintas contra Denny O’Neil por esta cuestión. No olvidemos que estamos hablando de un prestigioso profesional cuya trayectoria lo avala como un abanderado de los temas sociales en títulos tan legendarios como Green Lantern/Green Arrow. Si de algo no puede acusársele es de tener una mentalidad retrógrada. Y Sienkiewicz se limitó a seguir las indicaciones que le facilitaron, sin pararse a pensar que lo que estaba dibujando pudiera ser «políticamente incorrecto».

Echando la vista atrás, cabría puntualizar que la controversia había venido persiguiendo al bueno de Luke Cage ya desde los mismísimos orígenes del personaje, así que aquí llovia sobre mojado. En contra de lo que pueda pensarse, su debut en Marzo de 1972 despertó no pocas supicacias en un sector significativo de aficionados afroamericanos. Nadie discutía la importancia de que un superhéroe negro consiguiera por fin su propia cabecera mensual, pero los resultados no convencieron a todos. Las invectivas más duras hacían hincapié en la jerga que utilizaba, al parecer muy alejada de la realidad de la comunidad de color. Para algunos, el Héroe de Alquiler no pasaba de ser un desafortunado cliché, producto de la peor blaxploitation de la época.

Tal vez os sorprenda un poco esto que os estoy explicando, ya que en España jamás llegamos a enterarnos de que trascendiera polémica alguna. ¡Supongo que quedó «lost in translation» de las ediciones de Vértice! Obviamente, los lectores nos dábamos cuenta de que aquel tipo duro de Harlem se expresaba de un modo un tanto peculiar, pero en el Universo Marvel no llamaba más la atención que la verborrea de Ben Grimm o los juramentos de Conan el Bárbaro. Si acaso, ese lenguaje pintoresco contribuía a definir su carácter, junto con la diadema, el peinado afro, su estridente camisa amarilla o aquella gruesa cadena que hacía servir como cinturón. Por lo que a mí respecta, Luke Cage era cool mucho antes de que el término se pusiera de moda, ¡y reto a cualquiera a demostrarme lo contrario! En cambio, la versión actual se me antoja un tanto gris y anodina en comparación. Y no me refiero únicamente al vestuario.

El personaje ya había experimentado una primera transformación radical en 1992, cuando el lanzamiento de una infausta cabecera titulada Cage a secas terminaría despojándole de sus principales señas de identidad.

Con una cubierta firmada por Dwayne Turner y Chris Ivy, este número de la revista Marvel Age correspondiente a Enero de 1992 presentaría en sociedad al «nuevo y mejorado» Luke Cage, ante el estupor de los aficionados. Algunos no sabían si reír… ¡o llorar!

Tras ser cancelada la colección, se revirtieron parcialmente los cambios, pero la semilla había quedado plantada y volvió a brotar con fuerza en 2001, esta vez para quedarse. Por supuesto, soy consciente de existe toda una generación de fans que se engancharon al Power Man moderno a través de la interpretación de Brian Michael Bendis, amén de las legiones de espectadores del mundo entero que lo habrán descubierto gracias a las series televisivas de Netflix. Parece lógico que ellos se identifiquen con la versión que conocen: ¡Es el signo de los (cinemáticos) tiempos! Pero ya entenderéis que los supervivientes de la Generación Vértice sigamos añorando al Luke Cage clásico. No sólo por nostalgia, sino porque creemos honradamente que era mucho más genuino y auténtico, ‘nuff said!

En fin, como todavía nos queda mucho tramo cronológico por cubrir y tampoco es cosa de eternizarse con este tipo de digresiones, vamos a dedicar el resto del artículo a comentar un par de novedades aparecidas el 10 de Abril de 1984 que no pudimos encajar en nuestro anterior CB!.

La primera de ellas es justamente Power Man and Iron Fist # 107 USA, un episodio autoconclusivo con guión de Alan Rowlands y dibujos de Geof Isherwood. La historia introducía a un ignoto villano denominado El Martillo del Juicio, y no era nada del otro jueves, pero el «punch» de la cubierta de John Byrne resultaba tan efectivo para atraer nuevos lectores como las promos de Sienkiewicz.

Bastante más enjundia tenía The Uncanny X-Men # 183 USA, oficializando la ruptura entre Kitty Pryde y Peter Rasputin. ¡La de vueltas que ha acabado dando esa relación!

John Romita jr. recuerda el comic con cierto cariño por la escena de la pelea de Coloso contra el Juggernaut en un bar de Queens. El artista la ambientó en un antro real que frecuentaba, aprovechando para incluir algunos parroquianos habituales como figurantes, tal como se puede apreciar en la viñeta inferior. El bar se llamaba Monahan´s y quedaba completamente en ruinas a raíz del combate.

Romita casi nunca participaba en los argumentos de las sagas, a pesar de que tanto Chris Claremont como la editora Ann Nocenti le animaban a asistir a las reuniones de trabajo que debían servir para perfilar futuras tramas. Esta sería una de las contadísimas ocasiones en las que sí pudo aportar su granito de arena a los contenidos del cómic. A Romita le divirtió particularmente la idea de ver a los Hombres-X en un bar, comportándose como gente normal. Pensaba que eso los hacía más «reales».

Chris Claremont tenía fama de ser muy protector con su universo mutante, y esa actitud la hacía extensiva al conjunto de sus colaboradores. Incluso tuvo el detalle de solicitar a Marvel que una pequeña parte de los ingresos que percibía en concepto de royalties se transfiriera mensualmente a la colorista Glynis Oliver y al rotulista Tom Orzechowski, dos compañeros del equipo que no se beneficiaban de tales incentivos. Bonito gesto, ¿verdad?

Con Romita, la verdad es que la colaboración no resultó demasiado fructífera, y eso que fue Claremont quien avaló su fichaje. Pero se ve que luego no se compenetraron bien, lo que provocó que JR jr. saliera bastante escaldado después de constatar que su trabajo no se valoraba igual que el de los dibujantes patrulleros que le precedieron. Los dos autores ya no volverían a coincidir en ningún otro proyecto.

Miguel G. Saavedra

 

 

 

 

 

 

Mientras aguardaban el estreno de Conan el Destructor, los fans marvelianos de 1984 recibieron con expectación la noticia de que los guionistas de aquella película, Roy Thomas y Gerry Conway, habían comprometido su participación en un largometraje de imagen real de la Nueva Patrulla-X. Al frente del proyecto se hallaba Nelvana, compañía canadiense especializada en animación que había formalizado una alianza estratégica con el reputado estudio Orion Pictures para la distribución del film. Fueron precisamente las dificultades económicas que empezó a arrastrar Orion Pictures a partir del año siguiente las que acabarían dando al traste con la producción. ¡A los mutantes todavía les quedaba por delante una larga travesía en el desierto antes de poder alcanzar el oasis hollywodiense prometido!

6 de Abril. Dreadstar # 11 USA se adentra en el tenebroso pasado del Alto Señor Papal, líder supremo de la Iglesia de la Instrumentalidad a quien Jim Starlin pretendía convertir en el equivalente de Thanos para la colección. De hecho, ambos personajes tenían una constitución física casi idéntica. Todo esto de los parecidos razonables viene que ni pintado para haceros partícipes de una anécdota muy curiosa: ¿Sabíais que Starlin tenía por costumbre sacarse fotos disfrazado de Dreadstar para que le sirvieran de referencia? A tal fin, disponía de una capucha, unos guantes y una espada que venían a ser réplicas fidedignas de lo que podía verse en el cómic. Y como además resultaba que el autor se había dejado perilla, daba bastante el pego… ¡Él era Vanth Dreadstar! Otros personajes de su obra «La Odisea de la Metamorfosis» también estaban basados en personajes reales. Así, el rostro de Juliet se inspiró en la colorista Lynn Varley, mientras que el rostro del padre de esta reproducía las duras facciones de Frank Miller. ¡Y el dibujante Val Mayerik posó caracterizado de Aknaton! Más fácil lo tuvo Starlin para perfilar la imagen del felino Oedi dentro del elenco de Dreadstar, ya que en este caso se limitó a tomar como modelos a sus gatos Eddie y Electra.

10 de Abril. The Incredible Hulk # 297 USA alcanza un punto culminante al descubrirse que Pesadilla es el auténtico responsable de la reversión bestial de Bruce Banner. Observad que la cubierta que Bill Sienkiewicz ilustró para el comic consigue su máximo efecto cuando se reproduce en blanco y negro… ¡y totalmente desprovista de textos!

Otro título a la venta esta semana, Rom # 56 USA recibe la visita de tres miembros de Alpha Flight en una aventura de marcado corte ecologista que concluiría en el número siguiente. Llama la atención que el guión de Bill Mantlo hiciera referencia al Vindicador, cuando James Hudson llevaba casi un año utilizando el alias del Guardián. ¡Más incomprensible aún es que al editor Ralph Macchio se le pasara por alto semejante gazapo! Imaginamos que estos dos episodios debieron de servirle a Mantlo para familiarizarse un poco con unos personajes cuya serie acabaría guionizando.

La portada llevaba la firma inconfundible de John Byrne, y las ilustraciones interiores corrían a cargo de M.D. Bright, siendo este el único episodio que dibujó para la cabecera.

Por su parte, G.I. Joe # 25 USA se recuerda principalmente por la entrada en liza del villano Zartan, maestro del disfraz, tras protagonizar un cameo en el número anterior. Sin embargo, nosotros vamos a centrarnos en el debut de otros dos pintorescos personajes que asomaban por la historia: el sargento Mutt y su dóberman Junkyard. Fueron introducidos en el cómic porque a Hasbro le interesaba comercializar un pack de un Joe con su mascota. Siempre que tocaba ampliar la línea de figuras de acción, la compañía juguetera hacía llegar a Marvel un boceto donde se esbozaba la premisa básica del concepto, dejando en manos de Larry Hama la ulterior tarea de desarrollarlo. Como a Hama también le correspondía ponerle nombre a los personajes, el guionista procuraba curarse en salud planteando a Hasbro seis opciones distintas. Así se garantizaba que el departamento legal de la empresa pudiera registrar sin problemas al menos una de ellas. Según explicaría el propio Larry, había ocasiones en las que el primer nombre de la lista no resultaba aprobado.

Con Mutt y Junkyard, da la impresión de que se lo tomó con bastante sentido del humor. Si traducimos los nombres a nuestro idioma, podríamos rebautizar a la pareja como Chucho y Chatarra… ¡sólo que aquí el «chucho» era el dueño del can! Estirando aún más la broma, Hama dispuso que aquel extravagante intercambio de roles se trasladara asimismo a sus personalidades, contraponiendo el carácter agresivo de Mutt con la afabilidad de Junkyard hacia el resto de los Joes. ¡Incluso sus propios compañeros recalcaban que la aparatosa máscara que llevaba puesta Mutt parecía un bozal, como se puede comprobar en la viñeta dibujada por Frank Springer y Mike Gustovich! Cuando Forum publicó en España los cómics del Comando G.I. Joe, tradujeron únicamente el nombre perruno y dejaron en inglés el de su amo, ¡sin darse cuenta de que así le quitaban toda la gracia al chiste!

Sabido es que la estrategia comercial de Hasbro y los contenidos de los tebeos de G.I. Joe iban estrechamente ligados, hasta el punto de que podría hablarse de una sinergia total entre ambos. Sólo en 1984, Hasbro llegó a contratar un total de cuatro grandes campañas publicitarias de G.I. Joe en la televisión USA, escalonadas entre los meses de Febrero y Agosto. Por imposición legal, los anuncios de juguetes sólo podían dedicar un máximo de siete segundos a animación y efectos especiales. El resto del metraje debía mostrar imágenes reales de los juguetes. Con ello se pretendía proteger de eventuales manipulaciones a los impresionables infantes, evitando la “publicidad engañosa”. Para sortear estas restricciones, Hasbro acordó con Marvel que lo que promocionara oficialmente fueran los cómics. Los spots venían a ser pequeños cortos animados de treinta segundos cuya realización corría a cargo de Marvel Productions. Al principio y al final se insertaban imágenes fijas de un cómic Marvel recién publicado como «coartada» para poder defender que aquello era el anuncio de un tebeo. ¡En sentido estricto, nadie podía discutirlo, ya que los juguetes no aparecían por ninguna parte! Por si os pica la curiosidad, a continuación vamos a ofreceros un curiosísimo vídeo donde se recopilan los anuncios marvelianos de G.I. Joe…

Huelga decir que todo aquel potente despliegue publicitario resultó determinante para consolidar el éxito marveliano de G.I. Joe. Algunos números llegaron a contar con segundas y hasta con terceras ediciones, algo ciertamente excepcional en los comic books de aquella época. La Casa de las Ideas solía dejar un margen prudencial antes de volver a imprenta, del orden de tres meses, acotando la distribución de las reediciones al circuito de librerías especializadas.

Poco tiempo después, Hasbro y Marvel volverían a jugar la baza animalista con Snake Eyes, a quien terminaron buscándole como mascota un lobo llamado Timber para poder sacar la figurita correspondiente. ¡Cosas del marketing!

13 de Abril. The Micronauts # 59 USA se pone a la venta con un mes de retraso, coincidiendo con el cierre sorpresivo de la cabecera. Este número presentaba el nuevo tándem creativo formado por Peter B. Gillis y Kelley Jones, pero ya os indicamos en un anterior CB! que a última hora Jim Shooter decidió proceder a la cancelación de la serie con la intención de relanzarla más adelante en un nuevo formato que pudiera comercializarse también en newsstands. Gillis solventó el compromiso con una suerte de epílogo donde los héroes del Microverso tratan de sobreponerse a la devastación de su Mundo Natal, transformado en un cascarón vacío carente de vida como consecuencia de la apocalíptica guerra librada contra el Barón Karza. Evocando la grandiosidad cósmica de Jack Kirby, la historia no escatimaba viñetas espectaculares a gran tamaño para lucimiento de un Kelley Jones que acababa de hacer la transición de entintador a dibujante. En aquella primera tentativa ya demostraba que tenía madera de artista, por más que a su estilo aún le quedaran muchos aspectos por pulir. La guinda al pastel la pondría Michael Golden, el creador gráfico de los Micronautas, felizmente recuperado para que diera realce al evento ilustrando la impactante portada de aquel último número. Aunque la imagen del torso ensangrentado del Barón Karza pueda parecer inusualmente explícita para los estándares Marvel de 1984, debe tenerse presente que esta cabecera se distribuía sólo en librerías antes de su reconversión y, por lo tanto, no estaba obligada a pasar el control del Comics Code Authority.

Miguel G. Saavedra

 

 

Aunque los lanzamientos de la división británica de Marvel quedan un poco fuera de los parámetros fijados para nuestra cronología, seguro que os hará gracia saber que Marvel UK publicó en marzo de 1984 una cabecera semanal protagonizada por La Cosa que llevaba por título The Thing is Big Ben, haciendo un ingenioso juego de palabras con la campana del célebre reloj londinense. Los ejemplares reeditaban episodios pertenecientes a la serie americana Marvel Two-In-One, ofreciéndose como complemento materiales de otros cómics, entre ellos Iron Man, Captain America o Power Man and Iron Fist. El primer numero salió a la venta justo con la entrada de la primavera y adjuntaba una gorra de cartón a modo de obsequio. Sólo la mitad de los contenidos aparecían a color, alternándose dentro de los propios episodios con otras páginas impresas en blanco y negro a las que se añadía una trama azulada (intuimos que como homenaje implícito a los ojos azules de Benjie). En total, se distribuyeron 18 números, más un especial de verano. A diferencia de lo sucedido con los números de la colección regular, el especial veraniego sí imprimió todos sus contenidos a color. Junto a la historia central de Marvel Two-In-One, la revista incluía como complemento un episodio clásico de la Patrulla-X original y dos relatos cortos con los orígenes de la Chica Maravillosa y la Bestia. ¡Eso explica la presencia de Hank McCoy al fondo, trepando por la torre del Palacio de Westminster!

23 de Marzo. Y seguimos con La Cosa, porque también era suyo el protagonismo de un divertido relato con el que Barry Windsor-Smith deslumbraría a los lectores de Marvel Fanfare # 15 USA. Se trataba de una historia creada a partir de una premisa muy sencillita, donde Ben tiene que soportar las pesadas bromas que le gasta su colega Johnny Storm. No obstante, hay que reconocer que la ejecución era verdaderamente magistral, con un Windsor–Smith en estado de gracia. El proyecto surgió cuando el editor Al Milgrom se enteró de que el renombrado artista inglés quería volver a dibujar para Marvel. Ni corto ni perezoso, se puso en contacto con él y le dio carta blanca para hacer lo que le apeteciera. Justo por aquellas mismas fechas, se anunció que Windsor-Smith iba a enlazar este cómic con la autoría gráfica de una segunda novela gráfica de la Patrulla-X, al parecer con guión de Chris Claremont. Si bien la obra quedó finalmente descartada, al menos podemos consolarnos sabiendo que los dos creadores encontraron un cauce viable de colaboración en cuatro apabullantes episodios de la serie regular Uncanny X-Men.

Como dato adicional, indicaremos que en 1986 se anunció que Barry Windsor-Smith estaba trabajando en la realización de una serie limitada de cuatro episodios de La Cosa, de la cual llegó a completar 48 planchas. El proyecto quedó aparcado, pero tres décadas después el autor expresó su interés por reconvertirlo al formato de novela gráfica, sin que tampoco llegara a materializarse. ¡Lástima!

27 de Marzo. Debut de Titania y Volcana en Marvel Super Heroes Secret Wars # 3 USA. Ambas fueron introducidas por Jim Shooter con el propósito de ampliar la cuota de supervillanas dentro del Mundo de Batalla. Titania se llamaba en realidad Mary MacPherran, nombre que Shooter había tomado prestado de una ayudante de producción que trabajaba para Marvel. En un apunte de su blog, «Big» Jim desvelaba asimismo que algunos aspectos de la personalidad de Marsha Rosenberg (Volcana) estaban inspirados en la guionista y editora Mary Jo Duffy. Por su parte, The Thing # 13 USA traería consigo la súbita despedida de John Byrne como escriba de la colección, aunque el autor regresó más adelante para cerrar la saga de Rocky Grimm. Poco antes había manifestado que tenía planificado ya un año entero de historias, de ahí que sorprendiera un poco su marcha. De todas formas, quedó claro desde un principio que su sucesor, Mike Carlin, discutiría con él las tramas para coordinarlas con los eventos previstos en Fantastic Four.

Bastante más tumultuosa resultó la despedida de Sal Buscema en The New Mutants # 17 USA, dando paso a Bill Sienkiewicz a partir del número siguiente. Ann Nocenti acababa de ser confirmada como coordinadora general de los títulos mutantes y telefoneó a Buscema para comunicarle que prescindía de él porque consideraba que su estilo se había quedado demasiado anticuado. Pasado un tiempo, la editora confesaría que quizá fuera aquella la llamada más dura que tuvo que efectuar mientras permaneció en el bullpen. Herido en su amor propio, Buscema se planteó como un reto personal demostrar que Nocenti se equivocaba. Siguiendo la estela de su hermano John, Sal se había acostumbrado a resolver sus encargos con simples bocetos, en lugar de presentar lápices acabados. Esta práctica un tanto acomodaticia podía resultarle particularmente rentable desde un punto de vista económico, al permitirle incrementar su producción mensual, pero le hacía depender demasiado del entintador de turno y había desembocado en un cierto estancamiento creativo. A veces casi parecía como si fuera con el piloto automático puesto. Buscando corregir la situación, el dibujante adquirió el compromiso de perfilar lápices más elaborados a la hora de afrontar sus siguientes encargos, compromiso que Marvel llegaría a explicitar en una nota de prensa. Al contemplar Nocenti sus espectaculares páginas para el especial de aniversario The Incredible Hulk # 300 USA, no pudo por menos que alabar el pundonor profesional de aquel ilustre veterano curtido en mil batallas marvelianas. ¡Al menor de los Buscema todavía le quedaba cuerda para rato en La Casa de las Ideas! El amigo Sal terminaría dejando atrás el incidente y en 1987 incluso aceptó hacerse cargo de la realización gráfica de The New Mutants # 54 USA, en lo que sería su último número para la cabecera. Curiosamente, medio año atrás había tenido ocasión de ilustrar un guión escrito por la propia Nocenti para Daredevil # 238 USA, a requerimiento del editor Ralph Macchio. Lo que ignoramos es si se tomó aquel trabajo con mayor o menor grado de entusiasmo…

3 de Abril. Al margen del enfrentamiento arácnido con Jack O´Lantern, The Amazing Spider-Man # 254 USA merece recordarse por una escena donde hace acto de presencia un periodista del Daily Bugle denominado Falcone, sosias del guionista Tom DeFalco. Su intervención se reduce a dos viñetas, en las que don Falcone se queja de que Joe Robertson le obligue a reescribir los titulares tres veces… algo que tal vez podría interpretarse como una crítica velada del «titánico» Tom hacia su jefe, Jim Shooter. ¡No hace falta decir que este último tenía fama de ser tremendamente exigente con todo su equipo!

De The Mighty Thor # 345 USA, toca señalar que en el tebeo se mencionaba por primera vez la existencia del Cofre de los Antiguos Inviernos, por más que el objeto físico no se hiciera visible hasta el numero siguiente. El poder desencadenado por la apertura de este artefacto asgardiano pronto se dejaría sentir en otros títulos del Universo Marvel.  Y Savage Sword of Conan # 101 USA cierra la primera etapa del colosal John Buscema como dibujante de la colección.  ¡Tendrían que transcurrir siete años para que el artista volviera a plasmar gráficamente las aventuras en blanco y negro del cimmerio!

Nuestro repaso de hoy lo vamos a concluir con una de esas rarezas extravagantes que tanto nos gusta rescatar para vosotros en la sección. Me refiero a The Saga of Crystar # 8 USA, un cómic al que el azar convertiría en el número más polémico de la colección. Precisemos que la controversia no la originó ningún contenido concreto del ejemplar, sino la figura de una monstruosa calavera verde que podía distinguirse en la parte inferior de la portada. ¡Al rockero Glenn Danzig le gustó tanto el dibujo de Michael Golden que decidió apropiarse de él para incorporarlo al logo de su banda! Según me explicó el propio Golden, Danzing tuvo la desfachatez de justificar la coincidencia entre ambas imágenes argumentando que se trataba de una «simple casualidad». Es el colmo de los colmos: ¡Encima de que te plagian, insultan tu inteligencia! Mi tocayo declinó hacer ninguna reclamación legal porque los derechos de coyright no le pertenecían a él, sino a Marvel. Si acaso, debería haber sido la editorial la que presentase cargos ante los tribunales de justicia, pero prefirió no hacerlo por motivos que Michael no acierta a comprender.

La cosa resulta aún más sangrante si pensamos que el músico ha conseguido pingües beneficios comercializando toda clase de merchandishing con la imagen: carteles, adhesivos, camisetas,  hebillas, sudaderas, calzoncillos, ¡etcétera!

Yo creo que este llavero que os mostramos a la derecha resulta lo suficientemente explícito. ¡Por todos los cráneos cornudos de Cristalium! Recurriendo a la sabiduría popular, aquí sólo cabría apostillar que una imagen vale más que mil plagios…

Hará un par de años, a Golden se le ocurrió la idea de imprimir una tirada propia de camisetas con su famosa ilustración, sustituyendo el nombre de Danzig por el suyo propio. Aunque fuese a título testimonial, entendía que así reivindicaba públicamente la autoría del dibujo. ¡El dinero obtenido con la venta de dichas camisetas es lo único que ha podido sacar en limpio de toda esta historia!

Miguel G. Saavedra

 

Ajeno a toda la convulsión que se estaba viviendo en los comic books, el Spiderman de las tiras de prensa mantuvo impertérrito su indumentaria tradicional a lo largo y ancho de 1984. Floro Dery ilustraba las planchas dominicales y Fred Kida hacía lo propio con las viñetas diarias, siempre bajo la batuta de Stan Lee. Ahí donde lo veis, el incombustible Stan «The Man» lleva ya más de 41 años escribiendo ininterrumpidamente los guiones de estos cómics concebidos para los diarios, en ocasiones sirviéndose de la colaboración de ayudantes tan ilustres como Roy Thomas.

16 de Marzo. El volumen The Uncanny X-Men recopila la Saga de Fénix Oscura con una nueva portada ilustrada ex profeso por Bill Sienkiewicz. Esta publicación resulta especialmente significativa desde un punto de vista histórico por tratarse del primer tomo Marvel que englobaba una línea argumental de una determinada cabecera. Aunque ahora nos pueda parecer lo más normal del mundo, cabe subrayar que en su momento supuso toda una innovación. En realidad, libros con contenidos marvelianos ya se habían comercializado anteriormente a través de sellos asociados como Lancer Books, Simon and Shuster o Ace Books. Y en la década de los setenta se ensayó la fórmula de los Treasuries en formato tabloide para presentar reediciones de material clásico. Pero el dato incuestionable es que La Casa de las Ideas no se lanzó a la arena de los tradepaperbacks entendidos como tales hasta otoño de 1983, cuando apareció a la venta Mighty Marvel Team-Up Thrillers, antología de 166 páginas donde se incluía una selección de team-ups protagonizados por algunos de los personajes más emblemáticos de la editorial. En la parte superior de la cubierta figuraba como «número uno», señal inequívoca de que la intención de partida ya era desarrollar una colección de tomos, por más que no se la identificase con un título específico. Hubo que esperar casi medio año para que llegara a las librerías el segundo volumen, en esta ocasión dedicado íntegramente a la Patrulla-X.

Uno de los aspectos que más sorprenden de su diseño de portada es que se obviara cualquier referencia a la Saga de Fénix Oscura. Tan sólo figuraba el logo de The Uncanny X-Men a secas. Tampoco se mencionaba a los creadores del cómic ni se aportaban sus datos biográficos en el interior, destacándose en el lomo únicamente el nombre de Stan Lee como autor del texto de presentación. Para colmo, el libro prescindía de las portadas de los tebeos originales… ¡y no sería por falta de espacio, ya que entre capítulo y capítulo se dejaba una página en blanco a modo de separación! Todas estas carencias no impidieron que gozara de una excelente acogida que se tradujo en numerosas reimpresiones. Y lo más importante: a partir de aquí, se abría un nuevo sendero inexplorado que acabaría transformando por completo la industria de la historieta USA. ¡De alguna manera, podríamos decir que todo comenzó con este modesto recopilatorio de la Saga de Fénix Oscura!

 20 de Marzo. Anunciada como «la mayor tragedia desde la formación del grupo», Fantastic Four # 267 USA mostraba con toda su crudeza el drama personal de Sue Richards al verse malogrado su segundo embarazo, haciendo inútiles los esfuerzos de su marido Reed por recabar la asistencia del Doctor Octopus. Valga indicar que John Byrne siempre había considerado a Otto Octavius uno de sus adversarios arácnidos predilectos, habiendo podido dibujarlo ya en el Amazing Spider-Man Annual # 19 USA de 1979. Byrne recuerda que el guionista Marv Wolfman le preguntó qué villano le apetecía dibujar antes de meterse de lleno con el annual, y su primera elección fue Mysterio. Luego resultó que ya estaba reservado para otro cómic y entonces sugirió el nombre de Octopus. Al final, Byrne no quedó demasiado satisfecho con la labor realizada por Wolfman en aquella historia, de ahí que viera este episodio de los 4F como la ocasión idónea para perfilar su propia versión del villano, ahondando en su faceta más humana y vulnerable.

Mientras, otra tragedia estaba a punto de desencadenarse en Alpha Flight # 11 USA, coincidiendo con el debut villanesco de Omega Flight. Para dar forma al personaje de Chico Salvaje, Byrne adaptó una idea que había pensado como un posible origen para Lobezno. De hecho, él definía a Kyle Gibney como «un Lobezno depravado», lo cual hacía que tuviera todo el sentido del mundo integrarlo dentro un supergrupo que venía a postularse como la réplica canadiense de la Hermandad de los Mutantes Diabólicos.

Además del doblete habitual del prolífico JB, esta semana también se distribuirían los no menos habituales spidertítulos Peter Parker Spectacular Spider-Man # 91 USA y Marvel Team-Up # 142 USA, este último con la Capitana Marvel participando como estrella invitada.

Y las duplicidades no se quedaban ahí: Peter B. Gillis tenía dos guiones suyos en danza, uno para What If ? # 45 USA y otro para The Defenders # 132 USA.

¿Quién es más fuerte, Thor o Hulk? El cómic de What If? se atrevía a responder por fin a tan peliaguda cuestión… ¡contundentemente! La historia planteaba un escenario alternativo donde la muerte de Rick Jones exacerbaba la rabia asesina de Hulk hasta límites insospechados, forzando a Thor a detenerlo mediante el uso extremo de la fuerza. ¡Ese escalofriante «¡Snap!» es el sonido que hacía el cuello del goliat esmeralda al romperse! El especial lo dibujaba Ron Wilson, aquí muy bien complementado por las eficaces tintas de Ian Akin y Brian Garvey.

El estreno de Gillis al frente de Los Defensores ya lo anticipamos en un anterior CB!. Lo que no comentamos entonces es que Gillis era un fan absoluto del grupo desde sus tiempos de aficionado: ¡Incluso remitió una carta a la sección de correo USA para ponderar el trabajo de David Anthony Kraft y Keith Giffen en la colección! Claro que a él lo que le gustaba de verdad era la formación clásica, con el Doctor Extraño, Namor, Hulk y Estela Plateada, reconociendo que hubiera preferido poder reclutarlos para sus historias. Este número de The Defenders también sería el primero entintado por Kim DeMulder, a quien se fichó para tratar de darle un look un poco más moderno a los dibujos de Don Perlin. Otra mezcla un tanto inusual de estilos la encontrábamos en el equipo creativo de Star Wars # 84 USA, con lápices de David Mazzuchelli y acabados de Tom Palmer. ¡Anotadla como la primera y única colaboración entre ambos artistas! El argumento de este relato autoconclusivo a mayor gloria de Han Holo llevaba la firma de Roy Richardson, más conocido profesionalmente por sus trabajos como entintador. 

27 de Marzo. El potencial gráfico del todavía bisoño Mazzuchelli volvería a ponerse de manifiesto en Daredevil # 208 USA, episodio en el que tuvo oportunidad de lucirse ilustrando un magnífico guión de Harlan Ellison y Arthur Byron Cover. «La noche más mortífera de mi vida» atrapaba a Matt Murdock en una mansión repleta de trampas letales, cada una de ellas más diabólica que la anterior. Lo que hacía tan especial la historia era su sentido del ritmo, merced a una narrativa cinematográfica que transmitía a la perfección esa sensación de peligro constante.

Decía Ellison que el objetivo prioritario que se fijó con este guión no era otro que devolver a DD a sus raíces: un aventurero ciego sin miedo. Como detalle curioso, señalaremos que su participación se gestó de una manera un tanto accidental, a raíz de unos problemas de salud que padecía el guionista habitual de la serie, Denny O’Neil. Cuando supo que tenía que ser hospitalizado para hacerse un examen médico, O’Neil decidió contactar con Ellison y le pidió que le sustituyera, aprovechando que ambos eran viejos amigos. Este le explicó que tenía un compromiso previo con DC Comics para escribir un cómic de Batman pero, como favor personal, cambió de planes y aceptó el encargo. En lugar de confeccionar un guión al uso, Ellison optó por escribir un tratamiento inicial de 24 páginas, estructurándolo como si fuera un guión de cine. Lo hizo así porque quería asegurarse de que todas sus indicaciones quedaran debidamente plasmadas en el texto. A continuación le pasó el manuscrito a su colega Arthur Byron Cover para que lo revisara a fondo. En los créditos del tebeo no se especificaba cuál había sido la aportación de cada uno, pero sabemos por boca de Ellison que el argumento era totalmente suyo. Sin embargo, al no estar muy puesto en temas de actualidad marveliana, creyó preferible recurrir a Byron Cover para terminar de pulirlo. Por eso él entendía que lo justo era que ambos figuraran como coautores. El entusiasmo de Ellison al abordar el proyecto alcanzó tales cotas que llegó a afirmar que le hacía más ilusión ver publicado este cómic de Daredevil que su nuevo libro. El desenlace del episodio dejaba el final abierto y tendría una inesperada secuela en el número siguiente, una vez que se confirmó que O´Neil debía regresar al hospital para someterse a pruebas adicionales. Ellison declinó hacerse cargo de este segundo guión por falta de tiempo, pero sí se prestó a esbozar la premisa básica del mismo, dejando en manos de Byron Cover su redactado definitivo. ¡Hoy nos hemos quedado ya sin espacio, pero volveremos a referirnos a él en una próxima sección!

Miguel G. Saavedra

 

 

En una anterior sección os explicábamos que el cambio a «black» de la imagen de Spiderman se trasladó también a los recuadros de la parte inferior de las cubiertas a partir de Febrero de 1984. Sin embargo, convendría precisar que no todas las cabeceras marvelianas rellenaban dicho espacio con la imagen del lanzarredes. Mark Gruenwald, el editor USA responsable de los títulos relacionados con Los Vengadores, iba un poco por libre y prefería utilizar distintivos individualizados para Iron Man, Capitán América, Thor y Los Vengadores. Es casi como si las cuatro series USA de estos personajes configuraran su propio «universo secreto», ¡sin que nadie se apercibiera de ello! Hablamos de las ediciones que se distribuían en el circuito de librerías especializadas, claro está. En la versión que llegaba a los newsstands, dicho espacio quedaba reservado para insertar el denostado código de barras.  Las contadas ocasiones en las que Spidey lograba colarse de rondón en las portadas de estas colecciones probablemente deberíamos achacárselas a algún despiste del departamento de producción… o del propio Gruenwald. 

6 de Marzo. El mes pasado no tuvimos oportunidad de reseñar como se merece el aniversario de Savage Sword of Conan, que alcanzaba sus cien entregas con los habituales Michael Fleisher y John Buscema. Estaba previsto que el magazine llevara una portada especial pintada por Bill Sienkiewicz, pero a la postre hubo que sustituirla por otra de Joe Jusko. La de Sienkiewicz vería la luz finalmente en Savage Sword of Conan # 102 USA. Sin ánimo de restar méritos al trabajo de Jusko, habrá que reconocer que la de Sienkiewicz era mucho más «de aniversario»….

11 de Marzo. Se confirma la suspensión de las tiras de prensa de Star Wars, iniciadas cinco años atrás. Y ello a pesar de contar con un equipo creativo de campanillas, nada menos que Archie Goodwin y Al Williamson. Una vez concluida la trilogía cinematográfica original, el interés por la saga había ido menguando, hasta el punto de que cada vez eran menos los diarios que contrataban su publicación. Otro problema añadido era el desarrollo un tanto premioso de las líneas argumentales, lo cual tendía a lastrar el interés de las «comic strips». Tras echar cuentas, Lucasfilm y Los Angeles Tribune Syndicate, la agencia que se encargaba de distribuirlas, decidieron cancelarlas de común acuerdo con Williamson. En cambio, la cabecera Marvel de Star Wars se las apañó para quedar al margen de todas estas turbulencias galácticas y consiguió mantenerse a flote hasta la primavera de 1986.

13 de Marzo. ¿Y si Rom utilizara su neutralizador contra Hulk..? No estamos refiriéndonos al título de ningún What If, sino al contenido de Incredible Hulk # 296 USA. Teniendo en cuenta que los títulos protagonizados por ambos personajes compartían el mismo equipo creativo, parecía inevitable que estos acabaran enfrentándose antes o después. Tal vez buscando hacer algo diferente, Mantlo diseñó un crossover atípico donde el paladín de Galador y el goliat esmeralda no llegaban a coincidir físicamente hasta la página 19 del episodio. Rom empleaba entonces su arma tratando de revertir la transformación de Bruce Banner, pero pronto descubría que los rayos gamma habían provocado en él un daño genético tan irreparable que su nivel de energía únicamente podía reducirse de manera temporal. La exposición a la radiación tendría efectos todavía más devastadores en Rick Jones, cuyas visicitudes podían seguirse en Rom # 55 USA. Después de serle diagnosticado un cáncer incurable en el número anterior, el antiguo compañero de La Masa estaba a punto de recibir sangre contaminada mágicamente por los Fantasmas del Espacio, y sólo la intervención del destino evitaba que mutara en un monstruo deforme. La guerra contra los invasores alienígenas abriría un nuevo frente esta semana en The Avengers # 244 USA, cómic que a efectos prácticos supuso la despedida de Carmine Infantino del Universo Marvel. Aquí se prestaba a echarle un cable a un Al Milgrom sobresaturado de trabajo, encargándose de dibujar casi la mitad del episodio. Después ya sólo se le podría ver muy esporádicamente, ilustrando números sueltos de títulos licenciados como The Destroyer o el infantil Inhumanoids, amén de alguna ficha suelta para el Official Handbook of the Marvel Universe. La verdad es que Infantino nunca logró reverdecer en La Casa de las Ideas los laureles a los que se había hecho acreedor en DC. En la Silver Age su popularidad era tal que llegó a alzarse con el premio Alley al mejor dibujante durante cuatro años consecutivos, superando al mismísimo Jack Kirby. Pero todo eso cambiaría a partir de la década de los setenta, conforme su estilo se fue haciendo más descuidado. Algunos lectores incluso llegaron a cogerle manía, sobretodo por esos rostros tan exageradamente anchos que dibujaba. ¡A veces parecía como si les hubieran pasado una plancha por encima!

Y ya que hablamos de nombres ilustres, anotemos que G.I. Joe # 24 USA recibía con todos los honores al legendario Russ Heath en un episodio especial. La cubierta de este número la ilustraron al alimón Larry Hama y Mike Zeck, en lo que sería el anticipo del debut de este último como portadista más o menos fijo de la colección. Cuando tuve ocasión de entrevistarle, Mike me reconoció que no era muy fan de los Joes… pero sí de Larry Hama. Por eso no pudo negarse cuando este requirió su colaboración. Lo normal es que Hama perfilara unos bocetos previos de las ilustraciones que luego le pasaba a Zeck, facilitándole considerablemente el trabajo. Así como el que no quiere la cosa, mi tocayo terminó estampando su firma en un total de 46 cubiertas, tanto para esta cabecera como para G.I. Joe Special Missions, lo que le consagra como el portadista definitivo del «auténtico héroe americano». Algunas de ellas eran realmente espectaculares, ya las recordaremos cuando llegue el momento.

Por su parte, Uncanny X-Men # 182 USA centraba su argumento en Pícara y sus traumáticas memorias compartidas con Carol Danvers. Este episodio fue el último coordinado por Louise Simonson, que prefirió abandonar su puesto editorial en Marvel para hacer carrera como guionista «freelance». La sustituiría Ann Nocenti, que aquí ya figuraba como editora adjunta. A destacar asimismo que Dazzler # 32 USA se comercializó con un retraso de dos meses sobre lo inicialmente planificado. En la historia, Alison Blaire recibía la visita de los Inhumanos, propiciando una insólita «sinergia superheroica» cuando aprovechaba la descarga sónica de Rayo Negro para potenciar sus poderes lumínicos al máximo nivel.

Rematamos este capítulo semanal con un cómic que se quedó en el camino: Power Man and Iron Fist # 106 USA se suponía que iba a presentar el debut profesional de Scott Lobdell, y así lo anunció la revista oficial Marvel Age. Sin embargo, por algún motivo desconocido, el guión de Lobdell fue descartado y en su lugar se incluyó otro escrito por Alan Rowlands. De la historia inédita de Lobdell tan sólo sabemos que su trama giraba en torno a un misterioso villano que intentaba asesinar a Luke Cage perforando su piel de acero. El pobre Scott tendría que seguir currándoselo y esperar pacientemente hasta 1988 para poder estrenarse como guionista marveliano: su primer trabajo fue un relato corto paródico publicado en la antología What The?! # 4 USA.

16 de Marzo. Moon Knight # 38 USA echa el cierre a la serie del Caballero Luna. Cierre temporal, porque sus aventuras serían retomadas un año después en un nuevo título que ampliaba su distribución para cubrir también la red de newsstands. La cabecera difunta había incorporado a Alan Zelenetz y Bob Hampton como nuevo tándem creativo tres números atrás, encomendándoseles la imposible misión de hacer olvidar la mítica etapa de Doug Moench y Bill Sienkiewicz. Aunque hay que reconocer que la elegante portada de Mike Kaluta le daba un toque de distinción a la despedida.

Zelenetz era un profesor de inglés y literatura comparada que había entrado en Marvel ejerciendo funciones de corrector. Al cabo de una semana, le ofrecieron un número de inventario de The Mighty Thor, tras el que seguirían otros episodios de esta serie. Posteriormente aceptó guionizar Kull The Conqueror, King Conan y Moon Knight, siempre siguiendo la estela de Doug Moench. Esta tradición de ser el «recambio de emergencia» de Doug Moench sólo se quebró con Alien Legion, colección que Zelenetz pudo comenzar desde su primer número… ¡y no consta por ninguna parte que se la ofrecieran antes a Moench!

Miguel G. Saavedra

 

Febrero fue el mes de 1984 con un menor número de títulos Marvel publicados, 28 en total. A partir de ahí, el volumen de novedades iría recuperando su tendencia al alza hasta alcanzarse un máximo histórico de 58 títulos en julio.

28 de Febrero. No obstante, esta última semana todavía se prolongaba la sequía de lanzamientos. Tan sólo se comercializaron cuatro: Daredevil # 207 USA, Marvel Super Heroes Secret Wars # 2 USA, New Mutants # 16 y The Thing # 12 USA. No vamos a detenernos a comentar los dos primeros, pero sí apuntaremos que las aventuras de Rocky Grimm en el planeta del Todopoderoso llevarían a La Cosa a toparse con la guerrera Tarianna, aparentemente destinada a convertirse en su nuevo interés romántico… y recalco lo de aparentemente. Ya habrá ocasión de volver ello cuando corresponda.

Mucho más tangible resultó el debut de los Infernales en New Mutants # 16 USA. El grupo original de pupilos de Emma Frost lo integraban Ojo de Gata, Émpata, Ruleta, Tobera, Tarot y el nuevo Ave de Trueno. Émpata tenía raíces españolas y su nombre real era Manuel Alfonso Rodrigo de la Rocha, quedando establecido con posterioridad que procedía de una familia noble castellana venida a menos. Así se presentaba en el cómic… ¡Con tantas ínfulas, cualquiera se atreve a llamarle Manolo!

 

 

Aproximadamente por aquellas mismas fechas, Chris Claremont anunció que estaba preparando una segunda novela gráfica de los Nuevos Mutantes donde Kitty Pryde también tendría un protagonismo destacado. Incluso expresó su deseo de volver a contar con Bob McLeod para ilustrarla. Sin embargo, por el motivo que fuera, el álbum nunca llegó a materializarse, como tampoco lo hizo la serie limitada de Magneto que en teoría iba a escribir Bill Mantlo con el asesoramiento de Claremont. Es lo que tiene implicarse en demasiados frentes a la vez… ¡Al final no puedes abarcarlos todos!

1 de Marzo. La Edad de Oro pierde a una de sus grandes figuras, al hacerse pública la noticia del fallecimiento de Carl Burgos. El creador de la Antorcha Humana original tenía 67 años.

2 de Marzo. Tras sucesivos retrasos, Alien Legion se presenta en un número especial de 48 páginas. Aunque inicialmente se había planteado que la serie se integrara en el Universo Marvel, más adelante se optó por reciclarla para la línea Epic. Ello propició que los derechos de copyright revirtieran a su creador, Carl Potts. Según exlicaría este, fue toda la burocracia inherente a dicho proceso la que ocasionó las demoras. Potts valoraba como un triunfo personal conseguir que el cómic se publicara por fin, ya que llevaba nueve años trabajando en el proyecto. Su intención siempre fue encargarse él mismo de escribirlo y dibujarlo, pero llegó un momento en el que no le quedó más remedio que asumir que sus obligaciones como editor en Marvel no le dejaban tiempo para hacerlo, ni aun cuando la cabecera tuviera una periodicidad bimestral. De ahí que acabara requiriendo a Alan Zelenetz para que le echara un cable con los guiones, a la vez que asignaba a Frank Cirocco la responsabilidad de ocuparse de la parte gráfica. Cirocco rediseñó los personajes y contribuyó en gran medida a perfilar la imagen definitiva de este singular batallón galáctico donde no sólo brillaba su líder, el  reptilesco capitán Sarigar, sino también otros miembros como el heroico Torie Monroc y el despiadado Jugger Grimrod. El equipo artístico se beneficiaba asimismo de las expertas tintas de Terry Austin, con quien Potts había contado ya desde incluso antes de aterrizar en Marvel. De hecho, cuando a mediados de los setenta realizó un primer boceto del personaje que daría origen a Sarigar, fue el propio Austin quien se lo entintó. Detalle curioso a subrayar: ¡El logo de la colección lo diseñó Walter Simonson!

Otra novedad Epic que merece reseña es Coyote # 5 USA. Considerada la creación más personal de Steve Englehart, la serie narraba el periplo vital de Sylvester «Sly» Santagelo, un nativo americano que había crecido en el desierto aislado de todo contacto humano, con los espíritus totémicos de los animales como única compañía. La historia de este número respondía a la pregunta que algunos lectores se habían planteado en plan de broma: ¿Cuándo va a encontrarse el Coyote marveliano con su Correcaminos? ¡Claro que, llamándose Sylvester (Silvestre), el team-up más lógico quizá debería haber sido con Piolín! En un sorprendente giro argumental, el «correcaminos» que intervenía en el episodio terminaría revelándose como un conductor fantasma detrás del cual se ocultaba nada menos que el espíritu atormentado de James Dean. ¡Aquí puede comprobarse hasta qué punto se desmadraba Englehart con los guiones de esta colección! Prestad atención a la imagen de portada: ¿Os habéis percatado de que la señal del fondo hace referencia al film «Al Este del Edén«, uno de los grandes éxitos cinematográficos que protagonizara aquel mítico rebelde sin causa? Bip Bip…¡Y el cohete que propulsa a Sly Santagelo es de la marca Acme!

Para que no quedaran dudas del homenaje, el cómic incluía una secuencia donde se imitaba directamente el estilo de los dibujos animados de Warner Bros. Por cierto, que el ilustrador del tebeo era Chas Truog, quien más adelante emigraría a DC para encargarse del relanzamiento de Animal Man junto a Grant Morrison. Sacamos el tema a colación porque se da la circunstancia de que el quinto número de dicha serie también tenía al Coyote y al Correcaminos como estrellas invitadas. El relato llevaba por título «El Evangelio del Coyote» y era una absoluta genialidad de Morrison, ¿lo recordáis? Parece mentira que este «vínculo secreto» tan alucinante haya permanecido oculto todo este tiempo… ¡pero doy fe de que estaba ahí, esperando a ser descubierto!

6 de Marzo. Amazing Spider-Man # 253 USA introduce al nuevo villano La Rosa. Este episodio y el siguiente serían dibujados por Rick Leonardi. Así se dejaba un margen extra de tiempo antes de la incorporación definitiva de Ron Frenz, cuyo fichaje como dibujante regular de la cabecera se había confirmado ya cuando se anunciaron las Marvel Super Heroes Secret Wars.

También apareció a la venta esta semana Marvel Super Special # 29 USA, enésima revisión del clásico Tarzán de los Monos a cargo de Mark Evanier y Dan Spiegle. La publicación de esta novela gráfica se hizo coincidir con el estreno del film Greystoke, siendo reeditada poco después en una serie limitada de dos números. Tal como os indicamos en un anterior CB!, la Marvel de la época solía recurrir a este doble formato de edición cuando se trataba de adaptaciones cinematográficas.

Por su parte, Doctor Strange # 65 USA traería consigo el muy celebrado retorno de Paul Smith, esta vez con visos de continuidad. Después de triunfar por todo lo alto con la Patrulla-X, a no pocos les sorprendió que Smitty aceptara hacerse cargo de uno de los títulos menos vendidos de Marvel. Pero él estaba encantado de poder dibujar otra vez a su personaje favorito y, además, la periodicidad bimestral de la serie reducía considerablemente la presión de las fechas de entrega.

Existe la creencia generalizada de que fue durante la etapa de Paul Smith cuando Uncanny X-Men pasó a convertirse en el comic book más vendido de los USA, desbancando a Amazing Spider-Man. Incluso John Byrne se abona a esta tesis, aunque él atribuye el mérito de lo sucedido más al eco amplificador originado por la saga de Fénix y sus consecuencias que a los indudables méritos artísticos atesorados por Smith. Otros afirman fue con John Romita jr. en los lápices cuando la cabecera consolidó su estrellato en el mercado norteamericano.

Sin embargo, los datos de ventas facilitados en su día por la propia Marvel dejan bien a las claras que el sorpasso se había producido ya en 1981, lo que nos situaría cronológicamente en la segunda etapa de Dave Cockrum como dibujante. Según se desprende de estas cifras oficiales, Uncanny X-Men vendía aquel año una media de 259.007 copias mensuales, mientras que Amazing Spider-Man no pasaba de las 242.781. Lo que sí es cierto es que las ventas patrulleras continuaron subiendo como la espuma con Paul Smith y John Romita jr., tanto es así que en 1984 se habían rebasado ya los 378.000 ejemplares mensuales de media. Pero el liderazgo propiamente dicho se alcanzó con Dave Cockrum, ¡que conste en acta mutante!

La luz que arrojan estos datos también debería servirnos para destacar el papel crucial que desempeñó Chris Claremont a la hora de afianzar la hegemonía de los Hijos del Átomo durante la década de los ochenta: ¡Independientemente de que el dibujante fuera uno u otro, él era el «factor-x» que se mantenía inalterable en toda aquella ecuación!

Miguel G. Saavedra

 

A partir de Febrero de 1984, la indumentaria clásica de Spiderman dejó paso al disfraz negro también en los recuadros inferiores de las cubiertas Marvel. La edición que se comercializaba en el circuito de librerías especializadas no llevaba código de barras, por lo que habitualmente dicho espacio se cubría con un dibujo de Spidey. ¡Nadie hubiera vaticinado entonces que el nuevo uniforme iba a permanecer ahí como emblema de la editorial durante más de tres años y medio!

14 de Febrero. A pesar de que John Byrne tenía la reputación de no fallar nunca con las fechas de entrega, su editor en Fantastic Four le encargó que guionizara un fill-in (número de relleno) por si acaso hacía falta utilizarlo en un momento dado. El episodio en cuestión lo dibujó Kerry Gammill, artista texano con un estilo muy similar al del propio Byrne. Los resultados fueron tan óptimos que al final «Big» John acabó proponiendo que el cómic se integrara en la colección regular porque le parecía una lástima que quedara inédito. ¡Y eso es lo que se hizo este mes en Fantastic Four # 266 USA! A la historia original se le añadieron tres páginas extra ilustradas por Byrne, quien también se encargaría de entintar los lápices de Gammill con objeto de dotar al conjunto de una mayor consistencia. Narrado a modo de flashback, el relato presentaba a la nueva villana Karisma, con un Gammill bastante entonado que supo salir airoso del reto de tener que suplir a su «maestro».

Para no perder la costumbre, JB haría doblete esta semana con Alpha Flight # 10 USA: ¡Sasquatch contra el Super Skrull! Byrne consideraba al supersoldado alienígena su segundo villano favorito de Los 4 Fantásticos, sólo superado por el Doctor Muerte, pero no había llegado a utilizarlo en ninguna trama argumental de Los 4F. Aquí vio la ocasión perfecta porque necesitaba un oponente que fuera que capaz de plantar cara a Sasquatch, enlazando con el «falso crossover» iniciado en el número anterior. Siete años después, el Super Skrull volvería a reencontrarse con Byrne en una trama de Namor the Sub-Mariner donde también se jugaba la baza de la identidad falsa.

Ya en clave arácnida, Marvel Team-Up # 141 USA resulta reseñable no tanto por su contenido como por el hecho de reunir en su portada los talentos creativos de Arthur Adams (lápices) y Mike Mignola (tintas). Por aquel entonces, ambos eran autores novatos que trataban de abrirse camino en la industria editorial. En el caso de Adams, su primer trabajo para La Casa de las Ideas coincidió con la cubierta de Marvel Fanfare # 13 USA, publicada apenas dos meses atrás. El artista rubricó aquella ilustración simplemente como «Adams«, lo cual dio lugar a una pequeña controversia porque algún lector interpretó que dicha firma podía prestarse a confusión con otro famoso Adams que respondía al nombre de Neal. Al Milgrom, el editor USA de Marvel Fanfare, trató de quitarle hierro al asunto argumentando que los dos estilos eran muy diferentes, por lo cual no entendía que nadie pudiera sentirse engañado. ¡Además, él tampoco era quien para decirle a un dibujante cómo tenía que firmar sus trabajos!

Sea como fuere, algún poso sí que debió de dejar toda aquella polémica en el joven Artie, porque para sus siguientes trabajos ya empezó a utilizar su nombre completo, o al menos la inicial del mismo, hasta que finalmente encontró una rúbrica con la que se sentía satisfecho. Esta de Marvel Team-Up es una de sus escasas portadas en las que aún figura como «Adams» a secas.

Justamente por aquellas mismas fechas, Milgrom asumía el difícil reto de sustituir a Bill Mantlo como guionista de Peter Parker The Spectacular Spider-Man, a la vez que se mantenía como dibujante de la cabecera. Este número en concreto incluía una aventura de la Gata Negra, apareciendo Spidey tan sólo en la última página. Más llamativa aún es la logoforma del cómic, una imagen dividida entre la indumentaria clásica y la moderna que no volvería a repetirse en ningún otro número de la colección.

También en The New Defenders # 131 USA estaba a punto de producirse un relevo de guionista: JM DeMatteis se limitó a esbozar el argumento del cómic y dejó los diálogos en manos de quien sería su sucesor al frente de la serie, Peter B. Gillis. Para darle un toque especial a su despedida, DeMatteis quiso rendir un peculiar tributo a sus idolatrados Beatles introduciendo en la historia a un estrafalario villano denominado la Morsa, igual que el personaje del film televisivo Magical Mystery Tour. El cartel promocional mostraba a los miembros de la banda disfrazados con máscaras de animales: morsa (John Lennon), hipopótamo (Paul McCartney), conejo (George Harrison) y gallina (Ringo Starr). ¡Como se puede apreciar en el dibujo de Alan Kupperberg, la Morsa marveliana homenajeaba al Magical Mystery Tour hasta en el emblema de su pecho!

La canción «I am the Walrus» (Yo soy la Morsa) tal vez no figure entre las más conocidas de la banda de Liverpool, pero sí entre las más originales. Personalmente, tengo que admitir que yo no le encuentro ningún atractivo especial, pero el hecho cierto es que ha llegado a contar con versiones a cargo de intérpretes tan variopintos como Bono de U2, Oasis, Styx o el mismísimo Jim Carrey. ¡Por algo será! Aquí mismo tenéis el videoclip con la alucinante performance de Carrey junto al célebre productor George Martin…

Aparte, DeMatteis aprovechó para sugerirle a Gillis que desarrollara las aficiones musicales del Hombre de Hielo, integrante de la facción-X del equipo defensor junto al Ángel y la Bestia. Aunque ambos discrepaban sobre cuáles deberían ser los gustos de Bobby Drake: por mucho que Gillis se lo imaginara como un fan de Brian Eno, DeMatteis estaba convencido de que le pegaba más el estilo rockanrolero de Bruce Springsteen. En fin, ya lo veis… ¡De estas cuestiones tan trascendentales se ponían a discutir los creadores marvelianos cuando no tenían nada mejor que hacer!

Mientras, en el pelotón de rezagados de las Guerras Secretas, Iron Man # 182 USA traía de vuelta a James Rhodes con su nueva armadura alienígena importada directamente del Mundo de Batalla. El evento pasó un tanto desapercibido y ni tan siquiera se destacaba en portada, quedando en segundo plano ante el drama personal vivido por un Tony Stark cuya batalla contra el «demonio en la botella» tocaría fondo en el transcurso de este mismo episodio.

Cerramos capítulo con Lando Calrissian, protagonista absoluto de Star Wars # 83 USA. Por la información de que disponemos, lo más seguro es que se tratara de una historia de inventario que decidió programarse a última hora. El argumento lo realizó Linda Grant, una editora adjunta que apenas hizo carrera en Marvel, y el siempre solvente Bob McLeod se ocupaba de la parte gráfica.

24 de Febrero. Si descontamos la revista Marvel Age, tan sólo dos novedades aparecieron a la venta esta semana, ambas pertenecientes a la línea Epic: Dreadstar # 10 USA y la novela gráfica Heartburst. En realidad, esta última venía a ser un cómic Epic un poco «camuflado», ya que se publicó dentro de la colección Marvel Graphic Novels. Los títulos de Epic aún tendrían que esperar casi cuatro años para poder estrenar su propia colección de novelas gráficas independiente. Hasta entonces, continuaron insertándose dentro de la cabecera general marveliana, mayormente porque era la única disponible…

Heartburst se concibió en un principio como un serial creado por Rick Veitch para la revista Epic Illustrated. Sin embargo, el editor Archie Goodwin vio tanto potencial en él que optó por promocionar el proyecto al formato álbum. Su acción nos trasladaba a un mundo donde se concedía caracter divino a las antiguas emisiones televisivas que llegaban procedentes de la Tierra, considerándose «mensajes de Dios» a los anuncios publicitarios. En esa sociedad oprimida, un joven con el «esponsorizado» nombre de Sunoco Firestone terminaría convirtiéndose en fugitivo al desafiar la ley que prohíbe las relaciones interraciales de los humanos con los aborígenes del planeta.

Sólo los cómics con distribución exclusiva en librerías podían exhibir sus portadas libres de recuadros y códigos de barras. Así sucedía con este décimo volumen de la colección Marvel Graphic Novels. En el bullpen reconocían que odiaban a muerte los antiestéticos códigos de barras, pero los consideraban un peaje ineludible que había que pagar para acceder con normalidad a los distintos puntos de venta.

Una guerra muy distinta se libraba en Dreadstar # 10 USA, enfrentando al titular de la cabecera con el traidor Z en un apocalíptico combate sobre las ruinas de Mundo Gema. A partir de este número, la colección abandonó su cadencia bimestral para pasar a publicarse cada seis semanas. Esta atípica periodicidad buscaba acomodarse al ritmo de producción de Jim Starlin, pero los episodios tenían una extensión de 30 páginas y pronto se constató que la carga de trabajo resultaba excesiva para el autor, por lo que el «experimento» sólo aguantó hasta finales de año.

De Starlin se decía en Marvel que era un auténtico desastre con la ortografía, ¡ahí estaba su talón de Aquiles como guionista! Él mismo era consciente de ello y trataba de enmendarse, un esfuerzo puesto en valor por Mary Jo Duffy, su supervisora en Epic. Para que os hagáis una idea, recuerdo haber visto unos apuntes de Dreadstar donde Starlin había escrito de su puño y letra la línea de diálogo «Yes, I supsose«… en lugar de «Yes, I suppose», que sería el término correcto. ¡Por suerte para él, su formidable sentido de la narrativa compensaba con creces todas las faltas ortográficas que pudiera cometer!

Miguel G. Saavedra